La plupart des gens dans le domaine de la cryptographie pensent que les NFT sont dépassés.

Dans le monde de l'art, la plupart des gens pensent que les NFT sont une escroquerie, qui n'a trompé que brièvement quelques célébrités hollywoodiennes et des fondateurs de cryptomonnaies à Singapour avant de disparaître.

Ensuite, il y a un troisième groupe, le plus bruyant, qui répète les trois mêmes phrases depuis quatre ans :

· « Ce n'est qu'une image JPEG. »

· « Je fais un clic droit et j'enregistre ton singe qui vaut un million de dollars. »

· « Les NFT sont une arnaque, c'est juste du pump and dump avec des images aléatoires d'animaux. »

Si vous avez été en ligne après 2021, vous avez certainement entendu ces trois phrases, et peut-être même les avez-vous prononcées vous-même.

Mais toutes ces affirmations sont fausses, et les données le montrent clairement. Je ne comprends vraiment pas pourquoi personne ne le souligne ouvertement.

En 2025, le marché de l'art traditionnel a atteint 59,6 milliards de dollars de transactions, soit une croissance de 4 % par rapport à l'année précédente, mais toujours en dessous du pic de 67,8 milliards de dollars de 2022.

La taille actuelle du marché des NFT est d'environ 2 milliards de dollars, soit une baisse d'environ 90 % par rapport à son apogée. En surface, on dirait : « Exact, les NFT ont perdu. »

Mais il ne faut pas s'arrêter à la surface. Car tout le monde de l'art, y compris les musées, les galeries d'élite, les maisons de vente aux enchères et les collectionneurs les plus chevronnés, a discrètement construit l'infrastructure pour ce qu'ils appellent cette chose « morte » au cours des quatre dernières années.

Ceci n'est pas un post de « shilling » qui vous dira que le prix plancher de votre PFP (NFT de profil) préféré va monter de 50 fois. Cet article vous plongera en profondeur pour comprendre :

· Ce que les gardiens du monde de l'art ont fait pendant que tout le monde regardait les graphiques de prix.

· Pourquoi chaque mouvement artistique important dans le passé a été moqué pendant des décennies avant d'être reconnu.

· Pourquoi les arguments baissiers sur les NFT ne tiennent tout simplement pas.

I. Le marché que vous pensez invincible est en fait en train de rétrécir

Le marché de l'art traditionnel pèse 59,6 milliards de dollars. C'est le chiffre publié dans le rapport 2026 d'Art Basel et d'UBS. Le rapport a été rédigé par Dr. Clare McAndrew, l'analyste la plus respectée dans ce domaine depuis plus d'une décennie.

Selon les standards des NFT, ce chiffre est énorme. Mais voici quelques vérités sur ce chiffre que personne ne vous dit :

· Stagnation de la croissance : en baisse par rapport au sommet de 67,8 milliards de dollars en 2022, après deux années de déclin avant un léger rebond.

· Contraction du marché intermédiaire : le marché des œuvres en dessous de 50 000 $ se contracte depuis plus d'une décennie.

· Valeur hautement concentrée : lors des ventes aux enchères publiques, les œuvres dépassant 1 million de dollars représentent moins de 1 % du nombre total de lots, mais 54 % de la valeur totale.

· Transfert de richesse : Le rapport souligne également un tournant majeur à venir : « Le grand transfert de richesse ». Au cours des vingt prochaines années, plus de 80 000 milliards de dollars d'actifs passeront de la génération du baby-boom à leurs enfants.

Relisez cette phrase : « 1 % des lots contribuent à 54 % de la valeur ». Le marché de l'art traditionnel n'est pas vraiment un grand marché de 60 milliards de dollars. C'est un marché d'environ 30 milliards de dollars pour le grand public, plus un « super casino » de 30 milliards de dollars au sommet, où les milliardaires échangent des Basquiat et des Picasso comme moyen efficace d'évasion fiscale.

Et ce marché du sommet a un problème : les acheteurs vieillissent, les marchands vieillissent, l'infrastructure vieillit. Les jeunes qui hériteront de 80 000 milliards de dollars n'ont pas grandi avec les catalogues de Sotheby's.

Ils ont grandi avec internet.

Alors, avant de parler des NFT, comprenez ceci : le prétendu concurrent des NFT n'est pas un marché florissant et en expansion. C'est un marché vieillissant, avec de graves problèmes de concentration, et qui est sur le point de vivre une transmission générationnelle, et les héritiers ne veulent pas de ces vieilleries. Et c'est ce qu'on appelle un « actif sûr ».

Au niveau du marché haut de gamme, les collectionneurs aguerris se concentrent de plus en plus sur la gestion successorale, la liquidité et l'héritage, plutôt que sur la découverte de nouveaux médiums artistiques.

Voyons maintenant ce que font vraiment ceux qui contrôlent l'art avec leur propre argent.

II. Pendant que vous ne regardiez pas, les gardiens ont agi

Le monde de l'art a un mécanisme très particulier pour légitimer un nouveau médium artistique. Le processus est le suivant :

· Quelques artistes créent une œuvre d'une nouvelle forme.

· Les critiques se moquent, les collectionneurs ignorent.

· Quelques courageux conservateurs incluent l'œuvre dans les collections institutionnelles.

· D'autres musées, voyant l'acquisition, emboîtent le pas.

· Les maisons de vente aux enchères perçoivent le changement institutionnel et commencent à vendre aux enchères ce type d'œuvre.

· Les galeries d'élite signent ces artistes.

· Les prix montent pendant la génération suivante.

C'est le truc. Cela a fonctionné pour la photographie, l'art vidéo, l'art de l'installation. Cela a fonctionné pour chaque médium que le monde de l'art pensait initialement n'être « pas du vrai art ».

Et ce truc est en train de se dérouler avec l'art numérique et l'art sur chaîne. La plupart des gens ne réalisent pas que les premières étapes se sont déjà produites en silence.

Voici une partie des œuvres en collection permanente dans les principaux musées :

· Musée d'Art Moderne de New York (MoMA) : a acquis en 2023 l'œuvre Unsupervised de Refik Anadol. L'œuvre a été suspendue dans le hall du musée pendant près d'un an, attirant 3 millions de visiteurs. L'acquisition comprenait également un NFT accompagnateur et un souvenir sur blockchain que les visiteurs pouvaient frapper.

La même année, le MoMA a également acquis 3FACE de Ian Cheng. Il s'agit d'un NFT génératif qui lit le contenu du portefeuille de son propriétaire et évolue au fur et à mesure des changements dans le portefeuille. Une telle œuvre d'art conceptuel ne pourrait absolument pas exister sans blockchain.

· Centre Pompidou (Paris) : a acquis en 2023 18 œuvres NFT de 13 artistes. La collection comprend des CryptoPunks, des Autoglyphs et des œuvres de Sarah Meyohas, entre autres. La conservatrice Marcella Lista l'a décrit comme une continuation naturelle des œuvres de maîtres de la collection comme Bruce Nauman.

· Musée d'Art du Comté de Los Angeles (LACMA) : possède l'une des collections d'art sur chaîne les plus autoritatives au monde. En février 2023, le collectionneur Cozomo de' Medici a fait don de 22 œuvres d'art génératif et sur blockchain, dont un CryptoPunk, Ringer de Dmitri Cherniak et des œuvres de Tyler Hobbs.

C'est le plus grand don d'art blockchain jamais reçu par un musée américain. De plus, le fondateur d'Art Blocks, Erick Calderon, a directement donné au musée la version finale de Chromie Squiggle, l'œuvre fondatrice de tout le mouvement de l'art génératif sur chaîne. Le LACMA a également créé le premier fonds de musée américain dédié à la collection d'art numérique d'artistes femmes.

· Institut d'Art Contemporain de Miami (ICA Miami) : a été l'une des premières institutions à agir, acceptant le don de CryptoPunk #5293. En 2022, Yuga Labs a fait don d'un deuxième Punk et a lancé le « Punks Legacy Project », visant à placer des CryptoPunks dans les principaux musées du monde.

· Whitney Museum of American Art : collectionne discrètement l'art numérique et le net.art depuis des années, avec deux œuvres de Rafaël Rozendaal dans sa collection permanente. Depuis 2001, il exploite une plateforme d'exposition numérique appelée Artport.

· Buffalo AKG Art Museum : a organisé fin 2022 l'exposition « Peer to Peer », la première exposition d'art blockchain dans un musée américain. Le point historique soulevé par les conservateurs est à noter : en 1910, le même musée a organisé la première exposition de photographie dans un musée américain. En 1910, on ne considérait toujours pas la photographie comme un art, et cela faisait déjà trois quarts de siècle depuis son invention.

· Musée Guggenheim : a exposé en 2024 Light Line de Jenny Holzer, une installation de LED défilante de 900 pieds intégrant du texte généré par IA.

Le Centre Pompidou, le MoMA, le LACMA, l'ICA Miami, le Whitney, le Buffalo AKG et le Guggenheim réunis constituent le pilier institutionnel de l'art contemporain en Amérique et en Europe, et ils se sont tous officiellement engagés en faveur de l'art numérique et de l'art sur blockchain au cours des quatre dernières années.

Ceux qui ne regardent pas vous diront que les institutions s'en moquent. Mais la réalité est que ces institutions sont déjà publiquement entrées. Le marché l'ignore simplement parce que le prix plancher a baissé.

III. Chaque mouvement artistique que vous prenez au sérieux aujourd'hui était une blague au début

C'est la partie que les gens de la cryptomonnaie négligent souvent, mais que les gens de l'art comprennent généralement.

En 1863, le salon officiel français, le « Salon de Paris », a rejeté plus de 2 000 peintures. En raison du nombre élevé de refus et des plaintes, Napoléon III a ordonné la création du « Salon des Refusés ». Les gens y sont allés en masse, mais pour se moquer. Le Déjeuner sur l'herbe de Manet était au centre de l'attention, les critiques le qualifiant de vulgaire.

Aujourd'hui, ce tableau est considéré comme l'une des œuvres fondatrices de l'art moderne et est exposé au musée d'Orsay. S'il était vendu, sa valeur serait astronomique.

En 1874, un groupe d'artistes exclus du salon officiel a organisé sa propre exposition. Un critique a tourné en dérision le tableau de Monet, Impression, soleil levant, et a utilisé le terme « impressionnistes » pour les insulter.

Le nom est resté. Il est ensuite devenu le mouvement le plus important de l'histoire.

Ce n'est qu'en 1987, plus d'un siècle après le Salon des Refusés, qu'une peinture de Van Gogh a battu le record de vente aux enchères pour une œuvre d'art moderne, surpassant les prix jusque-là dominés par les maîtres anciens. Les Tournesols ont été vendus chez Christie's pour près de 40 millions de dollars.

Van Gogh n'a vendu qu'une seule peinture de son vivant. Aujourd'hui, ses œuvres se vendent régulièrement aux enchères pour plus de 100 millions de dollars.

Ce décalage fait partie du processus de chaque révolution artistique, sans exception.

Cela ne signifie pas que la reconnaissance artistique prend toujours un siècle. Mais la moquerie précède souvent la reconnaissance, l'acceptation institutionnelle suit, et la réévaluation par le marché arrive en dernier.

Prenons l'art pop. En juillet 1962, la série Campbell's Soup Cans d'Andy Warhol a été inaugurée à la Ferus Gallery de Los Angeles. Une galerie voisine, pour se moquer ouvertement, a exposé de vraies boîtes de soupe Campbell dans sa vitrine avec une pancarte indiquant « Le vrai article, 29 cents ». Seules 5 des 32 peintures ont été vendues. Le galeriste Irving Blum a finalement racheté l'ensemble pour 1000 dollars.

Ces 32 peintures de soupe sont aujourd'hui parmi les œuvres les plus précieuses de la collection du MoMA. L'une des peintures de la série a été vendue en privé pour plus de 9 millions de dollars.

Cette épicerie est depuis longtemps oubliée.

Prenons l'art conceptuel. En 1967, Sol LeWitt a publié « Paragraphs on Conceptual Art » dans le magazine Artforum. Sa phrase d'ouverture était : « L'idée devient une machine qui fait l'art. » À l'époque, le monde de l'art considérait cela comme de la philosophie marginale.

Les premiers artistes conceptuels ont délibérément créé des protocoles, des instructions et des certificats d'œuvres impossibles à collectionner, en partie pour critiquer le système des galeries. Ils tentaient d'échapper au marché.

Le record de vente aux enchères de Sol LeWitt dépasse aujourd'hui 1,6 million de dollars. Ses œuvres murales sont désormais collectionnées par les principaux musées du monde.

Conceptuellement, une œuvre murale est comme un contrat intelligent. Quelqu'un écrit les règles, quelqu'un les exécute. « L'art » réside dans le protocole.

Il a inventé le cadre dans lequel fonctionne l'art génératif sur chaîne, cinquante ans avant qu'une blockchain n'existe pour l'exécuter.

Regardez maintenant combien de temps il a fallu pour que ces arts naissent. Cette partie devrait vous faire réagir :

· Impressionnisme : de la moquerie en 1863 au premier record de vente aux enchères moderniste en 1987, soit 124 ans.

· Art pop : de la moquerie dans une épicerie en 1962 à l'entrée dans la collection permanente du MoMA à la fin des années 1960, puis des ventes à plusieurs millions, environ cinq décennies.

· Art conceptuel : du manifeste de 1967 à des prix de vente aux enchères dépassant le million, environ 35 ans.

· Art NFT : Quantum, considéré par beaucoup comme le premier NFT, a été frappé en 2014. Les CryptoPunks ont été lancés en 2017. La première grande vente aux enchères d'art NFT chez Christie's a eu lieu en 2021. Soit 7 ans.

Sept ans.

Les impressionnistes ont organisé huit expositions avant même que le monde ne sache comment les appeler. Les premiers artistes NFT sont toujours en train de créer. La plupart d'entre eux sont encore en vie. La plupart d'entre eux sont encore au milieu de leur carrière. La stratégie qui a donné un prix à Manet, Van Gogh, Warhol et LeWitt est déjà en train de se dérouler pour eux.

L'impressionnisme a mis des décennies à passer de la moquerie à une valorisation de plusieurs milliards de dollars. L'art conceptuel a fait face à la même résistance.

Le modèle est le suivant : un nouveau médium émerge, le grand public le méprise, puis une masse de créateurs et de collectionneurs l'adopte, les institutions suivent, et l'argent arrive ensuite.

Les NFT se sont déplacés plus vite que n'importe quel mouvement artistique de l'histoire.

« L'idée devient une machine qui fait l'art. » – Sol LeWitt, 1967
Il parlait de peintures murales. Mais sa description correspond aussi parfaitement à un contrat intelligent.

IV. Les galeries d'élite ont déjà voté avec leurs pieds

Si vous voulez savoir quels artistes seront dans les livres d'histoire dans 20 ans, ne regardez pas les prix des enchères, regardez quelles galeries les ont signés. Pace, Gagosian, Hauser & Wirth contrôlent qui entre dans les musées et qui entre dans les manuels. Ce sont les acteurs les plus conservateurs du monde de l'art, et ils ne signent un artiste que s'ils pensent qu'il sera encore important dans 50 ans.

Galerie Pace : Fondée en 1960, elle gère les successions de Rothko et Sol LeWitt, entre autres. Sol LeWitt est l'artiste dont l'héritage conceptuel est le plus lié à l'art NFT. Pace a lancé en novembre 2021 Pace Verso, une plateforme dédiée aux NFT et au Web3. Depuis, ils ont collaboré avec de nombreux artistes établis pour lancer des projets NFT :

· Jeff Koons (sculptures envoyées sur la Lune)

· Maya Lin

· Trevor Paglen

· teamLab

· DRIFT

· Tara Donovan

· Lucas Samaras

· John Gerrard

· Loie Hollowell

· Leo Villareal

· Random International

Regardez attentivement cette liste. Ce ne sont pas de jeunes artistes de la cryptomonnaie. Ce sont des noms établis dans l'art contemporain, sortant des NFT pour la première fois via l'une des trois principales galeries.

Puis, en mars 2023, Pace a fait quelque chose de plus significatif. Ils ont organisé une exposition personnelle pour Tyler Hobbs (un artiste de l'art génératif qui a grandi dans l'art sur chaîne) dans leur galerie phare de New York. Douze grandes peintures dérivées de son algorithme QQL, exposées dans la même galerie que des Rothko et des Calder.

Le QQL Mint Pass s'était vendu pour 17 millions de dollars en septembre de l'année précédente. Un mois plus tard, en plein marché baissier de la cryptomonnaie, son prix sur le marché secondaire a grimpé à 28 millions de dollars.

Le fait que Pace organise une exposition personnelle pour un artiste de NFT génératif n'était pas un coup médiatique, c'était un vote.

Ce n'est pas un cas isolé :

· La galerie Lehmann Maupin est devenue la première galerie commerciale à accepter les paiements en cryptomonnaie.

· La galerie Hauser & Wirth a exposé des œuvres NFT de Jenny Holzer.

· La galerie Gagosian accepte les paiements en cryptomonnaie.

· Sotheby's a lancé son propre marché métavers en 2021, avec des ventes NFT dépassant 100 millions de dollars depuis son lancement, et continue de payer des redevances aux artistes alors que la plupart des marchés ont abandonné les redevances sur chaîne.

· Christie's a lancé Christie's 3.0 en octobre 2022, la première plateforme de vente aux enchères entièrement sur blockchain lancée par une maison de vente traditionnelle.

Les maisons de vente et les galeries d'élite n'étaient pas obligées de faire cela. Leurs affaires allaient très bien même sans cryptomonnaie. Ils le font parce que les esprits avisés dans le coin le plus conservateur du monde de l'art ont examiné les données et conclu que les tendances de collection des 25 prochaines années se joueront ici.

V. Les données incontestables

Mike Winkelmann a créé une peinture numérique par jour pendant treize années consécutives et les a publiées en ligne, avec peu d'attention. Il avait un petit groupe de fans, pas de galerie, pas d'attention des musées, pas de place dans le monde de l'art traditionnel.

Pourtant, en mars 2021, Christie's a mis aux enchères un fichier contenant un collage de ses 5000 œuvres, qui s'est vendu pour 69,3 millions de dollars. Son nom d'utilisateur est Beeple.

Maintenant, rassemblons toutes les données.

· Beeple, Everydays: The First 5000 Days : vendu 69,3 millions de dollars chez Christie's en mars 2021. C'était la première fois qu'une grande maison de vente proposait une œuvre d'art numérique pure sous forme de NFT. Cela a fait de Beeple le troisième artiste vivant le plus cher de l'histoire des enchères.

· Pak, The Merge : vendu pour 91,8 millions de dollars en 2021, potentiellement le prix de vente aux enchères public le plus élevé pour un artiste vivant, bien que discutable car l'œuvre a été vendue en plusieurs unités.

· Beeple, HUMAN ONE : vendu 29 millions de dollars chez Christie's en novembre 2021. Il s'agit d'une sculpture hybride physique-numérique avec un composant NFT dynamique.

· Dmitri Cherniak, Ringers #879 : vendu 6,2 millions de dollars chez Sotheby's en juin 2023, en plein marché baissier. C'est le deuxième prix le plus élevé pour une œuvre d'art génératif aux enchères. La vente aux enchères GRAILS de Sotheby's ce jour-là a totalisé environ 11 millions de dollars et a établi huit nouveaux records pour des artistes. Ce n'était pas la hype de 2021, c'était une conviction ferme au milieu de l'hiver cryptographique de 2023.

· Tyler Hobbs, Fidenza #725 : vendue pour plus d'un million de dollars lors de la vente aux enchères d'art contemporain du soir de Sotheby's en mai 2023, cinq fois son estimation haute.

· XCOPY, Right-click and Save As Guy : vendu pour environ 7 millions de dollars sur SuperRare fin 2021. Plusieurs de ses œuvres se sont vendues pour des millions.

· Refik Anadol, en plus d'être collectionné par le MoMA, est devenu en septembre 2023 le premier artiste à projeter sur la sphère de Las Vegas (MSG Sphere), où il est resté pendant quatre mois. Ses œuvres ont été projetées auparavant sur la Walt Disney Concert Hall, la Casa Batlló et à la Biennale d'architecture de Venise. Il a été le premier artiste en résidence de Google en 2016.

Ce ne sont pas des cas isolés, c'est un tout.

Il existe aujourd'hui un corpus d'artistes numériques dont les œuvres se vendent aux enchères à sept et huit chiffres, sont collectionnées par des musées sur trois continents, et occupent une place dans les galeries d'élite de l'art contemporain.

Ce corpus n'existait pas il y a cinq ans.

La vague de spéculation est passée, mais l'infrastructure reste. Et ceux qui construisent cette infrastructure n'attendront pas que vous le compreniez.

VI. Une nouvelle génération de « Médicis » collectionne déjà

Si vous voulez savoir où va le marché futur d'une classe d'actifs, cherchez ceux qui accumulent pendant un marché baissier.

Il y a un collectionneur qui se fait appeler « Cozomo de' Medici ». Le nom n'est pas un hasard.

Les Médicis originels ont financé Botticelli, Michel-Ange et Donatello alors que ces artistes étaient encore inconnus et que la peinture en tant que forme était nouvelle. Sur une échelle de temps, le retour sur ces investissements a été pratiquement infini.

Les Médicis ont compris, alors que personne d'autre ne le faisait, que le médium changeait, et que ceux qui le réaliseraient en premier définiraient le canon.

En février 2023, Cozomo de' Medici a fait don de 22 œuvres d'art génératif au LACMA. Le nom Médicis dit tout. Ils parient que le net.art sera mémorisé comme la Renaissance florentine.

Ils ne sont pas seuls :

· Punk6529 : Ce collectionneur anonyme a acheté The Goose pour 6,2 millions de dollars. Il gère un district de musée dans le métavers, exposant plus de deux mille œuvres. Sa collection personnelle a culminé à plus de 20 millions de dollars de valeur. Pendant des années, il a écrit publiquement que les NFT ne sont pas un trade, mais un nouveau système pour posséder la culture numérique.

· Flamingo DAO : Un groupe d'environ cent membres levant des fonds depuis octobre 2020. Ils possèdent le seul ensemble complet d'attributs CryptoPunks existant, ainsi qu'un ensemble complet d'Autoglyphs. Ils détiennent un Alien Punk, acheté pour environ 750 000 $ en 2021, maintenant valorisé à environ 13 millions de dollars. Leur portefeuille a été valorisé à 1 milliard de dollars à son apogée.

· PleasrDAO : A acheté à l'État fédéral américain l'unique exemplaire existant de l'album du Wu-Tang Clan, précédemment confisqué par le gouvernement américain à Martin Shkreli. Ils ont également acheté le NFT Stay Free d'Edward Snowden pour plus de 5 millions de dollars. Ils ont aussi acheté le NFT du mème Doge original et l'ont fractionné. PleasrDAO est soutenu par a16z.

Ces gens ne sont pas des petits investisseurs ou des acheteurs ordinaires. Ce sont des collectionneurs et des groupes avec assez de capital, de conviction et de sophistication culturelle pour continuer à investir après l'effondrement de la hype NFT, et pour traiter la collection de NFT comme un placement pouvant être patrimonialisé.

Ajoutez à cela les collectionneurs institutionnels anonymes, les family offices qui achètent discrètement, et le fait que les enchères sur chaîne de Christie's justifient désormais leur propre plateforme, et vous verrez que la réalité ne correspond pas au récit public du « NFT est mort ».

Les NFT sont accumulés. Leurs détenteurs ne postent simplement pas leur portefeuille sur X tous les jours.

L'exemple des Médicis est le cœur de toute l'affaire :

Trouver le médium que les futures institutions voudront collectionner avant qu'elles ne réalisent qu'elles en auront besoin, et acheter les œuvres fondatrices à un prix bien inférieur à leur valeur future.

C'est ce qu'ont fait les Médicis originels.

VII. Redéfinition

Si vous êtes arrivé ici, vous devriez savoir ce que je vais dire.

Le marché de l'art traditionnel rétrécit, se concentre et vieillit. Ses principaux acheteurs sont âgés. Son infrastructure est construite pour une génération qui n'a pas grandi avec internet. Et la génération suivante, celle qui a grandi avec internet, est sur le point d'hériter de 80 000 milliards de dollars d'eux.

Les institutions d'art contemporain les plus importantes des États-Unis et d'Europe se sont officiellement engagées en faveur de l'art numérique et sur chaîne.

Au cours des 150 dernières années, chaque mouvement artistique important a été moqué pendant des décennies avant d'être pris au sérieux. L'art NFT n'a que 7 à 12 ans d'histoire.

Les galeries d'élite ont fait leur choix. Pace a organisé une exposition personnelle pour Tyler Hobbs. Sotheby's exploite une plateforme d'art numérique dédiée. Christie's exploite une plateforme de vente aux enchères entièrement en ligne.

Les prix des enchères sont là. 69 millions de dollars pour Beeple. 91 millions de dollars pour Pak. 6,2 millions de dollars pour Cherniak en plein marché baissier. Anadol sur la sphère de Las Vegas.

Les collectionneurs accumulent massivement – Flamingo, PleasrDAO, 6529, Cozomo, et les family offices dont on ne parle pas.

Voici ce que la plupart des gens comprennent mal à propos des NFT.

Ils pensent que les NFT sont une classe de trade. Ce n'est pas le cas. C'est un système de propriété. Avant les NFT, la culture numérique avait des canaux de distribution infinis, mais zéro propriété. Tout se distribuait, rien ne pouvait vraiment être possédé, et toute la valeur allait aux plateformes, pas aux créateurs ou aux collectionneurs des œuvres.

Les NFT ont inversé cela. La culture peut maintenant se distribuer à l'infini tout en étant possédée de manière finie.

C'est le point crucial. Le prix de l'art a toujours été déterminé par trois choses : la provenance, l'histoire et la pertinence culturelle. La propriété sur chaîne ne remplace aucune de ces choses. Elle les améliore.

L'art numérique rare, basé sur la blockchain et possédant un consensus social, est la nouvelle rareté, et les gens qui le collectionnent maintenant font ce que chaque génération de collectionneurs avisés a fait au début de chaque médium qui s'est finalement avéré important.

Et ce qui rend tout l'argument solide, c'est ceci :

L'art sur chaîne est la première catégorie artistique majeure dont l'historique de propriété peut être enregistré de manière programmable, publique et horodatée depuis sa création.

Cela ne résout pas tout : les droits d'auteur, le stockage, la paternité et la valeur culturelle restent essentiels. Mais cela résout la provenance de l'art plus efficacement que le marché de l'art traditionnel.

Le marché de l'art traditionnel perd des milliards chaque année à cause de faux, de provenances perdues et de litiges d'attribution. La plus ancienne galerie américaine, Knoedler Gallery (165 ans), avant sa fermeture en 2011, avait vendu pour 80 millions de dollars de faux, y compris de vrais Rothkos et Pollocks. Même le Salvator Mundi de 450 millions de dollars vendu chez Christie's est officiellement catalogué comme « Léonard de Vinci », mais cela est contesté.

L'art sur chaîne n'a pas ce problème. La provenance de l'œuvre est le médium lui-même. Chaque propriétaire précédent est vérifiable. Chaque transaction est horodatée. Chaque contrat intelligent est auditable.

Pour la première fois dans l'histoire, une œuvre d'art et son historique complet de propriété sont un objet mathématique immuable.

Vous pouvez cliquer droit et enregistrer le JPEG, mais vous ne pouvez pas cliquer droit et enregistrer la provenance. C'est le point crucial.

C'est la réalisation ultime de ce que Sol LeWitt appelait la « dématérialisation » en 1967.

L'idée comme machine. La machine crée l'art. La blockchain enregistre tout.

Si vous alignez réellement les données – les acquisitions des musées, les records d'enchères, les représentations en galerie, les groupes de collectionneurs, la chronologie historique, la situation successorale, les problèmes structurels du marché traditionnel et l'avantage du régime de propriété traçable sur chaîne – la capitalisation de l'art NFT ne peut pas rester à 2 milliards de dollars pour toujours.

2 milliards de dollars est la capitalisation actuelle d'une classe d'actifs :

· Dont les œuvres fondatrices sont collectionnées par les musées les plus prestigieux au monde ;

· Dont les artistes sont signés par les galeries les plus conservatrices au monde ;

· Qui est discrètement accumulée par les collectionneurs les plus sophistiqués au monde ;

· Dotée du système de provenance le plus clair jamais créé ;

· Avec un vent arrière générationnel de plusieurs milliers de milliards de dollars en héritage arrivant entre les mains d'acheteurs ayant grandi avec des écrans.

Le pari n'est pas sur le prix, il est sur le médium.

Et ce médium a déjà remporté le seul débat qui compte : les institutions qui décident de ce qui est de « l'art » ont pris leur décision.

La partie de l'art NFT qui a de la valeur a survécu à l'effondrement spéculatif et s'est institutionnalisée plus rapidement que la plupart des mouvements artistiques controversés de l'histoire.

La thèse baissière dit que les NFT sont morts parce que le marché spéculatif s'est effondré. Mais le registre institutionnel dit : la spéculation est morte, mais le médium a survécu.

Cela ne veut pas dire que tous les PFP reviendront – la plupart ne le feront pas. Cela ne veut pas dire que toutes les collections de 2021 sont importantes. Cela signifie que les œuvres fondatrices de l'art sur chaîne sont en train d'être canonisées, collectionnées, interprétées et établies en temps réel.

Le point n'est pas que « les NFT sont de retour ».

Le point est que l'art numérique entre dans l'histoire de l'art, et la plupart des gens le traitent encore comme une mode passée.

En 1965, vous pouviez acheter un Warhol pour le prix d'une voiture d'occasion. Aujourd'hui, la même peinture se vend à neuf chiffres. Aujourd'hui, l'art numérique fondateur est au même prix que le Warhol de 1965. Ce n'est pas une spéculation, c'est un fait que vous pouvez vérifier.

Le Salon se moquait de Manet. L'épicerie se moquait de Warhol. Les gens qui se moquent de Beeple, Anadol, Hobbs et Cherniak maintenant ressemblent beaucoup aux gens qui se moquaient de chaque nouveau médium avant qu'il ne devienne de l'art.

L'histoire montre toujours qui finit par avoir l'air stupide dans ce jeu. La seule question maintenant est de savoir si vous agirez avant ceux qui n'ont pas lu cet article.